Yuki on Movie

In a Lonely Place (Nicholas Ray, 1950, 1950) - ****, A Masterpiece

My favorite movie with Humphrey Bogart in it. Struck me far better than Maltese Falcon or even Casablanca. Bogart produced the movie by himself through his own production company called santana and asked the talented Nick Ray to direct, and surpass anything he did before.

The story is quite simple, it’s about trustworthy but what makes the movie interesting is how the movie takes the matter of trustworthy with the paranoid about trust, and even better including your lovely one. The tension is gripping more than a car chase scene. Truly a gem, I can’t wait to see more from Ray.

It Happened One Night (Frank Capra, 1934, USA) - ****, A Masterpiece

Not a typical role for the charming Clark Gable, but he did a great job. I pity myself ignoring Capra for a long time.

Palm Beach Story (Preston Sturges, 1942, USA) - ***

Mauvais Sang / Bad Blood (Leos Carax, 1986, France) - ***

The Citizen Kane of the 80’s movie. You wouldn’t believe this movie made in the 80’s, the editing and technique clearly are the inspiration to many recent movies or MTV video clips.

Jalsaghar (Satyajit Ray, 1958, India) - ****, A Masterpiece

Pride marvelously presented in another masterpiece by the Indian filmmaker Satyajit Ray. Even I think this movie is better than any single movie in the Apu Trilogy. It’s about an ex-landlord who becomes bankrupt but he still needs to be respected so he act if he’s still rich. One way to make him look great is by keep inviting a pricey dancer and her band playing in his house until he destroyed himself.

Le Samourai (Jean-Pierre Melville, 1967, France) - ***

The using of colors in this movie, undoubtedly one of the most effective. Melville use colors to show how the characters feel. Cleraly Melville is inspired by John Huston’s The Asphalt Jungle, but like other if his movies, he made a usual American noir story with a French taste.

La Captive (Chantal Akerman, 2000, France/Belgium) - ***1/2

If painters use canvas then the camera is the director’s medium to express themselves. Akerman painted stories about jealousy, love, hatred, and selfishness between two lovers. The movie sometimes confusing because it feels like a moving painting, see it then u’ll know what I mean. A pleasantly surprising first experience with Akerman, and am screaming at Criterion to release her Jeanne Dielman.

Naked (Mike Leigh, 1994, United Kingdom) - ****, A Masterpiece

Leigh is one of the few master in portraying dysfunctional relation between human.

Celine and Julie Go Boating / Celine et Julie vont on Bateau (Jacques Rivette, 1974, France) - ****, A Masterpiece. 
While I couldn’t stand my first Rivette experience with La Belle Noiseuse, this movie engaged me with voluptous happiness. Rivette might be one step behind Godard as the most avant-garde between the French New Wave school, and IMO Celine et Julie vont on Bateau is far more challenging and essential to the New Wave movement than anything had been done by Godard. The weird storyline about a friendship between two girls named Celine and Julie (some people said they are lesbian) taking an enigmatic journey to a haunted house. THey realise a little girl’s life is in danger caused by two women fighting for the little girl’s father love. Tragically, the father already swore to his wife’s grave that he only would marry if only his little girl die, so those 2 evil women tries really hard to kill the little girl. By using magic candies Celine and Julie tries to interfere those family’s life and saving the little girl. Rivette using many flashbacks and repeating them constantly to strengthen Celine and Julie imagination. Pretty f*%#ed up and puzzling but at the end it’s a movie u’ve never seen before, even still fresh until now, and am sure this movie is in David Lynch’s mind when he made Mulholland Drive.

Un Coeur en Hiver (Claude Sautet, 1989, France) - ****, A Masterpiece

Truth is painful, especially when it involves your need of love. Some said Claude Sautet is the Jean Renoir of our time, the director who is famous because he can draw human feeling so lively in his movies.

Claude Sautet’s subtly haunting Un Coeur en Hiver is a film about the deepest human feelings and fears, especially the fear of rejection, fear of intimacy, and fear of taking risk. The story is about three people. Maxime and Stephane are professional associates who operate a compay which constructs and repairs violins. The former is like the marketing person, and the latter is an expert craftsman who handles the repairs. One day, Maxime informs Stephane that he met and has fallen in love with somebody named Camille (Emanuelle Beart who also appeared in Rivette’s La Belle Noiseuse), a beautiful and talented violinist. They are planning to live together.

Since Stephane is a loner who before only immersed with his violins, he starts liking Camille. As they spend time together more often, it becomes clear that they are attracted to each other.

The "cream of the crop" of their platonic relationship is when Camille–despite her involvement with Maxime–asks him "Have you ever been in love?". It seems that kind of question discomfort Stephane very much, and Camille can feel the sense of reticence since that moment on.She then asks him "hy are you hiding from me?" Stephane meanwhile can only further distance himself from her.

Eventually a very happy Camille reveals that she wants Stephane not Maxime anymore, and can accept the fact that Stephane is a loner. Stephane replies shockingly that she misunderstands him, and cruelly tells her that he only wanted to seduce her, without loving her, and that he listens to her violin play only because it is his "job".We can sense that Stephane of course is covering his true feelings.

At first it seems self-destructive, as he ruins any chance for the involvement he desires before with Camille. His remarks deeply hurt Camille and make her ends up settling with her former lover, Maxime. But at the movie’s denouement, it becomes clear when Maxime and Camille meet stephane in a cafe there is a look of sadness on Camille’s face and soon we recognize that Stephane shares the same look, but he remains unable to express his emotions and share his life with oter person. To his side, the rejection of Camille is an act of self-preservation.

It seems Stephane thinks himself as the opposite of a violin which he handles everyday. When a violin is broken he can repair and make it looks good again. But he realises that his emotions are more complex, inexact, and it is for this reason that, despite his feelings to Camille, he makes the distance with her. He’s too afrad of allowing someone else playing him like a violin, because he thinks he cannot endure the pain he may be get later.

Like Renoir, Sautet masterfully communicates his characters’ thoughts and feelings as much visually as verbally.

The moments of silence, staring, or even silent kissing feel as heartbreaking as Stephane’s cruel "speech" to Camille. Whether Stephane is a lonely figure, his solitude keeping him protected from the hurt feelings of human relationship. Is he better or not?Sautet points out about choosing to be brave, taking risk, or getting out from our comfort zone so our liver can be complete.

Love and Death (Woody Allen, 1975, USA) - **

Shot by the famous cinematographer Ghislain Cloquet who used to shoot many of Robert Bresson movies, Woody strike the world with his semse of humor by humoring his muse’s Ingmar Bergman’s The Seventh Seal with Russian culture as the background. The jokes feel dated and silly, uncompararable with what the Python gang did in that era.

Opening Night (John Cassavetes, 1977, USA) - ****, A Masterpiece

One of the best movie about people dealing with aging matter, IMO it ranks as highly as the famous Ozu’s Tokyo Monogatari, De Sica’s Umberto D, Kurosawa’s Ikiru, Bergman’s Smultronstallet, Mankiewicz’ All about Eve, Manoel de Oliveira’s I’m Going Home, Aldrich’s Whatever Happened Baby Jane, or even the great Wilder’s Sunset Boulevard.

Cassavetes is so bold in making Gena Rowlands looks so creepy as an aging stage actress, manipulated by the owner of the play producer who is an old woman. The haunting dream sequence, the jealousy with the younger woman, and the freightened feeling becoming menopause fill most of the duration. The ending might be the funniest scene of all Cassavetes movie I’ve seen before. My second favorite Cassavetes, right behind Shadows.

Kitchen Toto (Harry Hook, ) - ***1/2

What a wonderful gem it is. Kitchen Toto is a movie that doesn’t feel like a movie. The characters act what they got to do. If they have to do something brutal it’s because they are brutal persons, nothing like when Dakota Fanning should be looked cute or being a smart-ass. Not many movies daring to show its main child character die stabbed by the gangster, and that makes it a wonderful movie, hehehehe.

Crazed Fruit (Ko Nakahira, Japan, 1956) - ***

Beuatifully shot. Looks very Eisenstein-esque, because the editing is wonderfully done. But the ending feels too filmic. The story is about the competition between 2 brothers loving a same girl. The girl love the little brother but she likes the passion and kinkiness of the big brother, pretty dare for that era.

Ukigumo / Floating Clouds (Mikio Naruse, Japan, 1955) - **** A Masterpiece

Ukigumo is about the difference between a man and a woman when it comes to sex or love affair. Naruse puts it brilliantly, often sad and touching. Hideko Takamine as Yukiko, a woman who once had an affair with a gorgeous, don’t-carish, caddish yet self-aware man and sometimes heartless when they were in Indochina. The memory of love and sex is so deep for Yukiko so she had to come to Tomioka (Masayuki Mori who appear in many Kenji Mizoguchi’s movies). Sometimes they seem like a pair of lover but other time like enemy.

Naruse use many flashback scenes to deepen the characters especially from Yukiko’s point of view. The memories of their affair, the bitterness of the platonic love, the hurtful feeling knowing Tomioka is already married and aimless walks that further instill a somber, Yukiko’s irredeemably doomed love affair.

Maybe the right word to put is, sex for a guy is about need while for woman is a state of feeling. When Yukiko keeps telling about their sweet memories, Tomioka still couldn’t recognise the affair is that "big", until the ending comes and regret is the only act he can do. Truly a gem, very recommended for you who loves moving melodramtic movie like Douglas Sirk movies. Naruse surely is one of the greatest director from Japan besides Kurosawa, Ozu, and Mizoguchi and am looking forward for the releasing of his movies on DVD.

Taste of Cherry (Abbas Kiarostami, 1997, Iran) - ****/A Masterpiece

A Romanian-French philosopher named E.M Cioran once said "Without the possibility of suicide, I would have killed myself long ago". Taste of Cherry is about the possibility of living, and how we have the choice to live. Life isn’t forced on us. That’s the main theme of the movie same as what Cooran said before. Like other Kiarostami movies (definitely a big influence from the great Robert Bresson), he never gives us the exact reason or the motif of the characters. A movie is a stimulant for our imaginative brain, and he really likes to challenge us with a taboo issue even for a country that is not as tight as Iran. And I definitely think EBert is the one who is boring now.

Zangiku Monogatari / Story of the Last Chrysanthemums (Kenji Mizoguchi, 1939, Japan) - ***1/2

Not my favorite Mizoguchi but a must watch for Japan movie afficionado. Kisah percintaan sederhana antara seorang pria pemain teater dengan wanita dari golongan pembantu rumah tangga. Sperti film Mizoguchi lainnya, pertentangan antar golongan atau kelas diangkat secara ekstrem digabung dengan gaya penyutradaraan yang bisa dibilang avant-garde untuk zamannya (who dares to use that kind of long takes in the 30’s?).

Life of Oharu / Saikaku Ichidai Onna (Kenji Mizoguchi, 1952, Japan) - ****/ A Masterpiece

Stunning, moving, touching, sad, and magnificent. This might be my new number one favorite movie of all time, or in short this is the best 2 hours I’ve spent in entire my life. Life of Oharu is about a woman tale who still convinced life worth to endure for hope. Hope for seeing or at least hug his son who’s been "robbed" by the governor wife who can’t bear a boy.

Oharu’s love in her youth with a low-rank knight made her family doomed and exiled to the suburb. Her father becomes so mad at her, and when a governor looking for a beautiful woman to bear his inheritance, she get picked. Unluckily after giving birth for the gov’nor, the gov’nor’s wife kicked her out of the house, and that frustrate her father so Oharu has to be sold to a geisha house, and so on…so on, her life is full of greed, lust, pain, and sorrow.

Jika kamu tidak suka dengan film indie, lebih cinta pada sinematografi dan spesial efek, serta ga sanggup nonton film-film festival, maka hindarilah Funny Ha Ha, sebuah komedi offbeat nan menarik debutan dari sutradara muda independen Andrew Bujalski.

Pertama-tama, gue akuin emang rada capek nonton film ini, kayak ga ada tujuan mo nyeritain apaan. Ternyata, Funny Ha Ha menarik karena film ini begitu natural, nyata, dan tidak pretentious dalam menceritakan kehidupan seorang perempuan muda yang baru lulus kuliah.

Sutradara Bujalski tidak membuat film ini lebih mengerti kehidupan karakternya dariapda kita yang menonton. Karakter2nya bertindak dan berbicara layaknya kita dalam kehidupan sehari-hari mengenai hal-hal normal, bahkan mayoritas dialog dalam Funny Ha Ha terjadi dalam ruang tamu dan ruang kerja.

Komedi dalam Funny Ha Ha mungkin dapat didefinisikan sebagai komedi dengan dialog-dialog jujur dengan pace yang cepat, mirip komedi Wes Anderson jika tidak di-polished. Komedi dalam film ini lebih terasa peculiar dibanding Ha Ha sesuai judulnya karena Bujalski mengakui dia suka dengan judul film yang misleading.

Tidak ada plot dalam film ini, namun ke studi karakter utamanya yang bernama Marnie (Kate Dollenmayer yang merupakan salah seorang dari animator Waking Life-nya Richard Linklater) yang baru lulus kuliah dan belum fokus terhadap hidup dan obsesinya. Marnie naksir kepada Alex seorang pria yang merupakan kakak dari teman dekat Marnie. Alex yang sedang dalam masa pelarian sesudah dikecewakan dalam hubungan dengan pacarnya terdahulu, membuat Marnie ngerasa digantungin dalam hubungan tersebut. Lalu di tempat magangnya, Marnie bertemu dengan Mitchell (diperankan oleh Bujalski sendiri) yang naksir pada Marnie namun Marnie ga ngeliat Mitchell sebagai pria dengan kualitas “boyfriend material”, meskipun pada akhirnya mereka menjalin hubungan pertemanan yang terlihat canggung.

Yang membuat Funny Ha Ha begitu delightful adalah komedi dalam film ini tidak muncul dari jokes yang telah diatur atau dikalkulasi layaknya film komedi biasa, bahkan terkadang terasa sebagai hasil improvisasi karakter2nya. Karena manusia terkadang lucu pada saat dia gak lagi berusaha lucu. Gue merasa absorbed dari satu momen ke momen lainnya, pengembangan karakternya serta begitu elegan story line film ini dibangun. Salut kepada Bujalski yang lebih senang dan terobsesi dengan pergantian tone dalam hal hubungan antar-manusia, dan tidak berusaha untuk membuat kita sebagai penonton terkesan atau dimanipulasi dengan kekuatannya sebagai sutradara.

Sebuah kota bernama Xenia di negara bagian Ohio dilanda tornado yang menghancurkan kehidupan di kota tersebut. Jika tornado tersebut dapat terjadi tanpa alasan logis, maka begitu pula karakter-karakter dalam film ini. Dan layaknya kita tidak menginginkan tornado tersebut, kita juga tidak dapat menolak fakta bahwa ada orang-orang aneh seperti karakter2 dalam Gummo.

Gummo adalah jenis film yang kita lihat, dan mungkin benci tapi tidak sanggup untuk menekan tombol “Stop” pada remote control kita. Kita benci karena tidak ada plot atau narasi dalam film ini, kita benci karena ini hanyalah sebuah film yang terlihat sebagai sebuah dokumenter yang menggambarkan kumpulan orang2 berwajah dan berprilaku aneh, serta kita benci karena melihat fakta ada remaja yang mencari uang dengan membunuhi kucing lalu dijual ke resotran. Tapi kita juga perduli dan ingin tau apa yang akan mereka lakukan di menit-menit berikutnya, dan orang macam apalagi yang akan ditampilkan Korine dalam film, atau sesederhana bahwa kita cinta film ini.

Xenia adalah Athena dalam mitologi Yunani yaitu dewi kebijakan, dan tornado adalah penis nya Tuhan. Apakah film ini sebagai simbolisasi bahwa orang-orang aneh tersebut muncul karena kehendak Tuhan (God fucks Xenia then those characters appear)? Atau sama seperti kemunculan kita yang tidak “aneh” (huehueheue, are we?)

Banyak orang yang bilang film ini disturbing atau offensive, tapi gimana jgua gue bisa bilang begitu jika karakter-karakternya sendiri sangat antusias menjalani hidup seperti yang mereka inginkan.

I never saw a helicopter being shot down, so why should I make movie about that?” - John Cassavetes

Menurut Andy Warhol, apa saja dapat dijadikan seni. Mulai dari pada kaleng sup instan sampai ke hasil otokopi Xerox yang menampilkan wajah orang terkenal dapat menjadi seni di tangan Warhol. Dari “pabrik”nya di kawasan Manhattan, warhol memproduksi ide-ide gilanya, untuk menciptakan mahakarya yang dapat dinikmati masyarakat luas. pendekatan populisnya kepada estetika nya itu yang pada akhirnya disebut sebagai spesies baru dalam dunia seni yaitu”Pop Art”. Pop Art menjadi booming karena dianggap berhasil dalam menampilan seni dalam medium lain, bahkan mempengaruhi bentuk lain dari ekspresi hiburan sampai masa kini. warhol tidak saja jago dalam urusan melukis dan membuat sketsa, dia juga ahli dalam fotografi, bahkan sampai ikutan ambil bagian dalam bidang musik (the Velvet Underground, Nico) dan film. Film-film awalnya yang merupakan murni eksperimen dengan memanipulasi tampilan visual yang membuatnya mendapat pujian dari seluruh dunia.

Pada saat Warhol merasa kalau pegerakan kameranya tidak akan dapat berkembang lagi, Warhol memutuskan untuk memproduseri saja film-film dari kawan lamanya Paul Morrissey untuk membuat tiga film yang dapat dibilang salah tiga pencapaian terbesar dari gerakan bahwa tanah atau independen di amerika Serikat

1. Flesh (Flesh) - **** (Masterpiece)

Tidak seperti Warhol yang banyak membuat karya-karya eksperimental macam Fuck aka blue Movie, Chelsea girls, maupun Sleeping dan Eating, Morrissey mengambil pendekatan lain dalam membuat narasi pada film-filmnya. Aroma Italian-neorealism yang kuat disadur menjadi sebuah film perdana nan brilian tentang kehidupan sehari-hari dari seorang gay hustler bernama Joe (Joe Dallesandro). Joe dimintai tolong oleh istrinya untuk mendapatkan uang sebanyak US$ 200 untuk biaya aborsi pasangan lesbian istrinya tersebut.

Jika Anda pikir jalan ceritanya terlihat begitu sederhana yaitu bagaimana seorang gay hustler berusaha mencari uang dengan menjajakan tubuhnya (Flesh) kepada lelaki lain, maka anda salah. Kita akan dibawa Morrissey ke jalanan manhattan, langsung melihat dan merasakan kehidupan nyata dari para gay hustler, mengobservasi lingkungan mereka, bahkan konsumen mereka. satu adegan menarik adalah ketika Joe disewa oleh seorang pelukis tua untuk berpose telanjang dalam lukisannya an pada akhir sesi si pelukis berbicara panjang lebar tentang dunia seni lukis terhadap joe yang notabene adalah seorang pelacur miskin.

Flesh membuat banyak orang kaget pada saat pemutarannya. Kata-kata semi-pornographic melekat kuat dalam setiap pemasangan poster film itu. dapat dikatakan bahwa Flesh merupakan film non-porno pertama yang berani menampilkan keadaan ereksi seorang pria yaitu Joe Dallesandro. Dialog-dialognya terdengar natural, impulse seksual dan non-seksual dari karakter-karakternya terjadi begitu alami tapi tidak terasa sexual arousing. Dan siapa yang bisa lupa dengan satu scene dimana dua drag queens (satunya adalah Candy Darling) melakukan percakapan dengan membahas gosip-gosip Hollywood lama dari majalah hiburan usang disaat Joe Dallesandro sedang mendapatkan blow-job dari mantan kekasihnya Geri Miller, seorang stripper yang seksi dengan akhir “pidato” Geri mengenai dirinya yang tidak ingin menjadi pintar karena akan membuatnya semakin depresi.

2. Trash (1970) - **** (Masterpiece)

Dibuat sebagai kritik Paul Morrissey terhadap film Easy Rider yang dia rasa meromantisir penggunaan narkoba, Trash membrikan saya pemahaman lebih mengenai kehidupan seorang junkie lebih dari film junkie atau drug manapun. Sukses besar Flesh di teater-teater art-house di kota-kota besar dunia, membuat Warhol semakin percaya terhadap bakat Morrissey. Morrissey kembali menulis dan menyutradarai sendiri Trash yang menceritakan tentang Sepasang junkie yang impoten karena ketergantungan narkoba dan Wanita Tuna Susila. Mereka hidup bersama dan menikah secara hukum dengan tujuan akhir mendapat sumbangan kesejahteraan dari pemerintah kota New York. one big sequence dan sangat lucu adalah ketika Holly yang sedang horny sampai harus bermarturbasi dengan sebuah botol kosong karena Joe impoten.

Trash sendiri pada intinya menyoroti kehidupan dari para WTS, junkie, gay people dan orang-orang yang dianggap sebagai “sampah” masyarakat dalam menjalani hidup sehari-hari. Mengapa mereka masih mau hidup dan apa yang mereka kejar lagi dalam kehidupan ini walaupun fakta yang disajikan Morrissey memperlihatkan mereka adalah sekumpulan orang-orang tanpa arah dan masa depan. Sperti dunia dalam film John Cassavetes, Trash adalah perayaan besar mengenai kehidupan, dan bagaimana kehidupan itu begitu berharga even if ur living as a trash, bertahan sehari-hari dalam kehidupan mereka yang hancur dan dianggap sampah melalui kesetiaan dan menghormati satu sama lainnya.

Kehebatan Paul Morrissey dalam memilih orang-orang untuk mengisi karakter dalam film-filmnya patut diacungi jempol, dalam Flesh kita melihat Geri Miller dan Candy Darling, maka dalam Trash kemunculan Andrea Feldman sebagai gadis kaya penggemar LSD yang saya rasa sebagai salah satu aktris paling gila yang pernah muncul dalam dunia perfilman selain Edith Massey dan Klaus Kinski, ada juga Holly Woodlawn yang seorang transvestite dengan bakat alami comical nya dalam Trash dan Pat Kast sebagai induk semang haus seks dalam Heat. Dapat dikatakan tidak ada yang dapat mengarahkan Ms. Feldman selain Paul Morrissey seperti tidak mungkin ada yang dapat mengarahkan Edith Massey selain John Waters sendiri.

Saya tidak dapat berkata apa-apa, speechless mengenai bagaimana briliannya Morrissey menciptakan lingkungan dan karakter yang Grotesque layaknya dalam film-film Federico Fellini namun tidak terasa aneh karena karakter-karakternya begitu believable dan setiap aksi yang mereka lakukan mempunyai dasar yang kuat.

Heat (1972) - (***1/2)

Dibanding 2 film sebelumnya, Heat terasa paling ringan dan mainstream. Diinspirasi dari cerita john holliwell yang juga sebagai inspirasi dari sebuah mahakarya Billy Wilder yaitu Sunset Boulevard, heat disebut sebagai sebuah remake Sunset Boulevard dalam versi kinky.

Joe Davis (Joe Dallesandro) adalah seorang mantan bintang film cilik yang sudah dilupakan banyak orang, ingin kembali merajut karirnya di dunia hiburan di Hollywood dengan memacari seorang aktris tua spesialis B-Movie bernama Sally Todd (Sylvia Miles). Joe harus berhadapan dengan induk semang kost-annya yang merupakan wanita berperawakan subur dan haus seks, anak dari Sally bernama Jessica (Andrea Feldman) yang akhir-akhir ini merasa sebagai lesbian, dan mantan suami Sally yang biseksual.

Dalam Heat, karakter Joe tidak lagi terlihat lugu, Joe memanfaatkan tubuh dan parasnya yang ganteng untuk meraih segala keuntungan untuk dirinya mulai dari bayar kost gratis atau mendapatkan peran kecil dalam sebuah film. Saling mengintimidasi antara satu karakter dengan karakter lainnya dalam kost-an di pinggir pantai Malibu itulah yang menginspirasikan kesuksesan tv series macam Melrose Place maupun Desperate Housewives pada masa sekarang.

Benang merah dari ketiga film diatas adalah UANG. Kehidupan tidak dapat lepas dari uang, setiap orang butuh uang, cara apapaun dilakukan untuk mendapatkan uang, mulai dari melacur di jalanan seperti dalam Flesh, menerobos rumah orang untuk mencuri dan kemudian dibelikan heroin seperti dalam Trash, berpura-pura menikah dan hamil juga dalam Trash, atau memacari bintang film tua dalam Heat.

Hal tersebutlah yang ingin diperlihatkan Paul Morrissey kepada dunia. Morrissey tidak hanya tertarik dengan kamera sebagai self-expression layaknya Wargol, tapi dia lebih tertarik kepada permasalahan yang ada di sekitarnya namun jarang dilihat oleh masyarakat luas. Morrissey tidak perduli kalau film-filmnya akan begitu mengejutkan, jujur, dan sangan straight-forward, karena layaknya filmmaker sejati yang hebat, dia hanya mencoba memberitakan kepada dunia melalui dokumenter dari sebuah dekade (ya, dekade 60’s tidak benar-benar berakhir sampai pertengahan 70-an) yang oleh mentornya sendiri (Warhol) telah dilupakan.

Menarik sekali melihat bagaimana Morrissey memanipulasi mediumnya, bagaimana dia merubah kameranya menjadi seorang voyeur, dan bagaimana Morrissey meninggalkan harta berharga bagi dunia perfilman independen, ketiga film ini mesti ditonton. tiga film di atas membuka mata kita terhadap sudut-sudut tergelap dari struktur sosial dan realitas dimana tidak terbayangkan oleh mayoritas orang. Seksi, menakutkan, terkadang bodoh, namun dengan Paul Morrissey di belakang kamera, mungkin Andy Warhol benar, everything could be art.

1 Story.
Terdapat 3 cerita utama dalam Pulp Fiction. Pertama adalah cerita ketika Vincent Vega (John Travolta) mendapat tugas dari atasannya Marsellus (Ving Rhames) untuk menemani sekaligus menjaga istri kesayangan sang atasan. Kedua adalah “The Gold Watch”, yaitu kisah tentang seorang petinju bernama Butch (Bruce Willis) yang dibayar oleh Marsellus untuk kalah dalam suatu pertandingan. Terakhir adalah “The Bonnie Situation” yang sekaligus adalah penghubung dua cerita sebelumnya.

Ketiga cerita diatas mengambil setting di Los Angeles dengan aroma kuat pengaruh film-noir yang terkenal di era 40-50an. Faktanya, Tarantino berhasil menggabungkan film-noir dengan kisah gangster a la Godfather (Coppola) dan Scarface (De Palma).

2. Mengapa sulit dipahami?
Ketika dirilis , Pulp Fiction berhasil memukau banyak orang dikarenakan alur ceritanya yang tidak seperti umumnya film-film yang beredar. Struktur ketiga cerita Pulp Fiction saling berhubungan dan bersinggungan pada momen-momen tertentu, walaupun ketiganya tidak ditampilkan secara kronologis.

Pulp Fiction bukanlah film pertama yang mempunyai alur tidak urut seperti ini, di waktu sebelumnya ada Bad Timing (1980) yang disutradarai oleh Nicholas Roeg atau Betrayal (1983) yang naskahnya ditulis pemenang Nobel Kesusasteraan 2005 Harold Pinter.

3. Cara Melihat film ini
Saat yang paling baik untuk menonton PF adalah saat kondisi badan kita sedang prima, tidak ngantuk dan siap untuk fokuskan perhatian kita sepenuhnya ke layar televise karena alur cerita film ini tidak urut.

Satu waktu konsentrasi kita hilang, maka semua akan menjadi kacau dan akan menimbulkan banyak pertanyaan seperti apakah isi dari koper bersinar?mengapa Vincent yang merupakan seorang profesional dapat begitu lalai meninggalkan senjatanya di luar kamar mandi?atau bahkan mengapa tiba-tiba John Travolta dapat hidup kembali?. Satu tips dalam menonton Pulp Fiction adalah simak baik-baik setiap percakapan yang khususnya pada adegan-adegan sebelum klimaks karena disitulah kelebihan Pulp Fiction, yaitu QT membangun adegan klimaks dari percakapan-percakapan tidak penting tersebut. Contohnya pada saat percakapan tentang Quarter Pounder with Cheese dan percakapan antara kekasih Lance yaitu Jody yang mempunyai banyak tindikan dengan teman wanitanya.

4. Momen Terbaik
PF banyak mempunyai adegan dan dialog mengesankan dan tidak terlupakan. Seperti saat Vincent dan Mia (Uma Thurman) turut serta dalam lomba twist, atau adegan penutup di restoran. Sering dilupakan oleh movie-goer adalah ada makna dalam PF yang notabene adalah film yang sarat dengan unsur kekerasan yaitu redemption yang dapat juga disebut tobat atau penebusan dosa. Masing-masing karakter utama dalam PF digambarkan menerima kesempatan kedua untuk memperbaiki diri mereka baik secara langsung atau tidak langsung. Jules dan Vincent terhindar dari sasaran peluru yang kemudian membuat Jules sadar dan tidak akan terlibat lagi dalam dunia gangster atau Butch yang kemudian memutuskan untuk kembali menolong Marsellus lepas dari pemerkosaan, serta Pumpkin dan Honey Bunny yang dilepas oleh Jules agar dikemudian hari tidak merampok lagi. Itulah kelebihan Tarantino yang dapat membuat film ini tidak hanya menonjolkan kekerasan disana-sini saja.

5. Opini Singkat :
Dialog dalam Pulp Fiction menarik walaupun tidak terdengar natural layaknya manusia normal berbicara kepada manusia lainnya, namun jelas mempunyai ritmik bagus dari kacamata perfilman. Kita harus fokus untuk terus berfikir menemukan koneksi antara cerita dan karakter satu dengan lainnya.
Dan kelebihan yang dimiliki Tarantino adalah pada gaya penulisan dialog-dialognya yang kasar dan tidak senonoh tetapi dapat terdengar segar, lucu, cerdas, bahkan puitis, layaknya naskah-naskah dari dari film David Mamet (Spartan, House of Games, Homicide).

6. Kekurangan : Tidak semua movie-goer senang untuk diajak terus konsentrasi dalam film yang banyak menampilkan adegan kekerasan, tidak senonoh, dan alur cerita yang kacau. Jadi pikiran terbuka adalah suatu kewajiban.

7. Satu lagi kekurangan dalam PF yang sebenarnya merupakan harta luar biasa sebagai movie-goer. Jika digali lebih jauh lagi, PF merupakan sebuah koleksi dari daur-ulang dari adegan2 terkenal dari film-film klasik favorit Tarantino.

Tarantino membuat homage terhadap film-film dengan kekerasan ekstrim, genre blaxploitation, sexploitation, gangster, serta referensi kultur pop lainnya. Referensi Tarantino antara lain adalah koper bersinar yang dibawa Jules adalah referensi dari Kiss Me Deadly (Robert Aldrich), karakter Harvey Keitel sebagai “Wolf the cleaner” merupakan referensi dari film La Femme Nikita (Luc Besson), potongan rambut Uma Thurman terinspirasi dari bintang film bisu legendaris Louise Brooks dalam film Pandora’s Box (GW Pabst). Adegan dan dialog lain juga banyak diangkat dari film-film Jean-Luc Godard (salah satu pengaruh terbesar Tarantino dalam membuat film hingga dia menamakan rumah produksinya A Band Part mengambil dari judul film Godard yaitu Bande a Part), Francois Truffaut (untuk nama karakter Jules dan Jim), Brian de Palma, John Woo, bahkan dalam satu adegan terlihat gaya sinematografi dalam PF begitu beraroma film dari John Cassavetes yang notabene adalah bapak film independent Amerika.

Gairah Tarantino dalam memasukkan referensi-referensi tersebut tidak terlihat sombong, dia cukup cerdas untuk menghindari membuat homage sederhana atau sekedar remake, melainkan mengambil bagian-bagian menarik dari film-film tua tersebut dan membungkusnya dengan kemasan khas Tarantino.

“People who are making films today are too concerned with mechanics - technical things instead of feeling.” - John Cassavetes (1980)

John Cassavetes, sebuah nama yang mungkin terdengar asing di kalangan pencinta film di Amerika Serikat sekalipun apalagi di Indonesia bukanlah sebuah nama asing untuk sutradara-sutradara film indie kontemporer macam Quentin Tarrantino atau Paul Thomas Anderson. Cassavetes dianggap sebagai sutradara yang pertama berani mendobrak untuk keluar dari sistem studio Hollywood lewat film perdananya Shadows. Walau Maya Deren (Meshes of the Afternoon, At Land) telah lebih dahulu membuat feature2 film pendek namun Deren tidak mengedarkannya secara luas layaknya Cassavetes. Shadows bahkan sampai memecahkan rekor di sebuah gedung bioskop di London pada pemutarannya di tahun 1959, sehingga banyak kritikus maupun pencinta film yang menyandingkan namanya dengan Jean-Luc Godard yang pada saat itu juga sedang merilis film perdananya About de Souffle atau Breathless.

1. Shadows (1959)

Tidak ada satu karakter musuhpun dalam film-film Cassavetes, tidak ada orang baik atau orang jahat. Semua karakter berada diantara baik dan buruk. Jika Lelia, Tony, Bennie, Hughie, dan karakter lain dalam Shadows mempunyai masalah, maka masalah-masalah itu di ciptakan oleh mereka sendiri dan mereka pulalah yang mesti memecahkan.

Dalam karya-karya Cassavetes, permasalahan bukanlah dari luar tapi didalam diri para karakternya. Setiap karakter di Shadows memainkan sebuah
peran yang menyalahi kodrat mereka sendiri atau mencoba menjadi bukan diri mereka sendiri. Tony ingin menjadi seorang cowok yang dikagumi banyak wanita, Bennie ingin terlihat “cool”, hughie ingin dianggap kuat, melindungi, dan kakak yang baik, Lelia berpura-pura bahwa masalah ras tidak penting dan seks tidak mempunyai konsekuensi emosional. Kebohongan yang mereka tampilkan bukanlah kebohongan yang kita katakan kepada orang lain, tapi yang kita katakan pada diri kita sendiri. Tentu saja, ketika kita bertindak bodoh pada diri sendiri, selalu kitalah yang paling terakhir menyadarinya.

Cassavetes ingin menyorot tentang metafora yang hadir di sekeliling kita sendiri yaitu perbandingan antara “topeng” yang kita pakai di masyarakat, dengan “wajah” asli kita yang kita sembunyikan.

2. Faces (1968)

Faces menurut gue adalah yang terberat dari 4 film Cassavetes lainnya. Film ini membingungkan sekaligus offensive. Faces melanggar semua batas-batas bagaimana sebuah film itu dapat dipresentasikan. Shot-shotnya tidak indah sama sekali, dialognya tidak elegan, akting para karakternya mengejutkan dalam standar Hollywood, karakter-karakternya dibuat ekstrim (siapa yang gak kaget sama nenek-nenek yang merindukan belaian hangat laki2 muda), sehingga membuat gue sulit untuk mendefinisikan masing2 karakter dan mesti langsung menonton ulang film ini.

Faces dibuat sebagai ungkapan kekecewaan Cassavetes terhadap studio Hollywood yang baru saja menyewanya untuk menyutradarai Too Late Blues dan Children is Waiting. Cassavetes merasa 2 film tersebut medioker dan pengalaman terburuk dalam karirnya karena campur tangan terlalu besar dari studio, seakan kata “Art” adalah haram bagi para eksekutif studio Hollywood, sehingga Faces direncanakan Cassavetes sebagai gambaran hidup mereka. Hasilnya Faces mengobrak-abrik mitologi tentang “the American life” khususnya kehidupan Hollywood beserta etika bisnisnya dan bagaimana suatu film itu mesti dibuat. Penyembahan terhadap keglamoran, uang dan kekuasaan seseorang ditampilkan tanpa terjebak dalam formula lama, hal-hal klise dengan harapan penonton dapat menemukan cara lain dalam mengerti perilaku para karakternya.

3. A Woman Under the Influence (1974)

A Woman under the Influence adalah sebuah perayaan mengenai perbedaan kita dengan orang lain, dalam hal fisik, pemikiran, status sosial, atau seksual. Mabel adalah seorang istri dari seorang pekerja kasar dengan dikaruniai 3 anak. Mabel mempunyai kelainan dimana pada satu saat dia dapat bertindak layaknya wanita normal dan di saat lain dapat berubah seperti orang gila dengan berprilaku berlebihan, menari-nari balet, atau bahkan lupa ingatan.

Well, jika film ini dibuat oleh seorang sutradara Hollywood, mungkin jadinya akan seperti Forrest Gump yang merupakan suatu kumpulan ide-ide push-button belaka. Dalam film-film Cassavetes, karakter-karakternya dibangun secara mendalam, sampai-sampai mereka tidak harus melakukan apapun untuk menahan perhatian gue terhadap filmnya, emosi menjadi narasi, dan watak karakter menjadi plot.

4. Killing of a Chinese Bookie (1976)

Jika film-film gangster biasanya bangga akan kemachoan atau kemaskulinan, ke “cool” an, atau kekerasan karakter dan jalan ceritanya, Cassavetes mengambil alur lain melalui Killing of a Chinese Bookie. Cassavetes mempertanyanya hal-hal diatas dan melihat hal-hal tersebut sebagai pelarian yang tragis dari kehidupan para gangster.

Jika Ingmar Bergman didaulat sebagai sutradara yang paling mengerti jiwa wanita, atau Fassbinder paling mengerti jiwa kelompok gay, maka Cassavetes adalah yang paling mengerti jiwa lelaki. Cassavetes menggambarkan tuntas bermacam bentuk lelaki dalam berbagai manifestasinya. Tony di Shadows, salesman di Faces, dan kali ini Cosmo dalam Killing of a Chinese Bookie digambarkan sebagai seorang lelaki pemilik tempat hiburan malam yang rada kinky, sedang terjebak dalam hutang judi sehingga ditugaskan untuk membunuh kepala gangster dari geng Tionghoa agar utangnya lunas.

Cassavetes menggunakan jasa Ben Gazzara sebagai Cosmo karena image berwibawa dan tegar yang terlihat pada Ben. Cosmo terlihat kokoh secara emosi diluar. Dia tidak membiarkan siapapin, bahkan kekasihnya Rachel untuk mempengaruhi keputusan atau jalan pikirannya. Dia terus menjalankan show kinky nya baik disaat ramai atau bisnis sedang menurun, dia terlihat dingin bahkan dalam keadaan terjepit. Obsesinya adalah tampil baik dan keren di segala kesempatan, baik di panggung maupun di luar panggung — dan sukses. Tetapi Cassavetes ingin agar kita menilai dan berpikir bahwa biaya tertentu yang harus dibayar jika penampilan sematalah yang kita kejar. Cassavetes ingin kita bertanya pada hidup kita apa yang dapat terjadi jika penampilan baik dan sikap keren sebegitu pentingnya.

Film-film John Cassavetes dapat dikatakan sebagai suatu karya seni yang hebat, sama seperti karya dari maestro lainnya seperti Carl Theodor Dreyer, yasujiro Ozu, Robert Bresson, dan Andrei Tarkovsky. Film-film tersebut merubah persepsi gue (I miss Ordet), memberi tahu pengetahuan yang baru, emosi yang baru (I miss Tokyo Stroy), otak yang baru (I miss Andrei Rublev), hati, mata bahkan kuping yang baru. Visi dari Cassavetes dari film adalah sebuah eksplorasi personal dari dirinya terhadap arti hidup dan kehidupan lain dari orang-orang di sekelilingnya baik yang dia suka atau dia tidak suka.

Cassavetes tidak pernah tertarik untuk membuat filmnya seperti labyrinth dimana penonton seperti dipaksa keras memecahkan suatu puzzle seperti dalam film2 Lynch, atau membuat film-filmnya dengan dialog cerdas seperti Woody Allen dan Coen Brothers dimana penonton akan merasa pintar bila mereka menangkap the in-jokes persis. Kenapa kita harus berpikir apa yang dapat kita lakukan terhadap sutradara dan suatu film (menangkap joke dan sinisme mereka, atau berhasil mengerti jalan cerita layaknya sebuah puzzle)?, film-film Cassavetes memberi kebalikannya yaitu apa yang dapat suatu film dan sutradara dapat berikan kepada kita sebagai penonton untuk memperkaya hidup kita.

Film-film Cassavetes tidak juga berusaha mengungkap sisi gelap dan sisi lain dari manusia seperti layaknya film2 dari Todd Solondz dan Neil LaBute, namun lebih ke permukaan emosi manusia, bagaimana manusia bertindak dan apa yang memicu manusia bertindak, karena kadang filmmaker atau bahkan penonton lupa kalau bagian permukaan itu lebih penting dan nyata sehingga yang membuat karakter2 dalam film Cassavetes misterius adalah karena mereka tidak punya rahasia, semua terlihat. Film-filmnya merupakan suatu pertanyaan dalam dan menyentuh tentang dunia yang kita tempati, dan juga bagaimana kita menghubungkannya dengan pengalaman pribadi kita yang sama dengan dunia dalam film Cassavetes “how to life a live with its imperfections”. Film-film Cassavetes memang hard-to-sit through, but it grows on me, the characters are ugly in manner but does beautify my perception of life, the characters look weak but leaves strong impression. This is the place where I can see a person making a mistake but they get the consequences or they pretend to be strong, this is where I can see SEX scene is not that easy (the moral and emotional consequences or the inability performing great sex), this is LIFE.

  Aguirre the Wrath of God adalah mengenai ambisi seorang gila yang diperankan oleh aktor gila Klaus Kinski dan disutradarai oleh sutradara gila Werner Herzog. Film ini menceritakan tentang perjalanan seorang conquistador Gonzalo Pizzaro di abad 16 untuk tujuannya yaitu Gold, Glory, Gospel. Diceritakan dari sudut pandang Gaspar de Carvajal, seorang pendeta Kristen yang turut serta dalam petualangan itu dan catatan hariannya merupakan satu-satunya tersisa dari petualangan luar biasa dimana semua yang ikut serta hilang secara misterius.

Pizzaro memutuskan bertualang untuk mencari kota hilang El Dorado yang disebut-sebut merupakan kota emas. Petualangan dibagi menjadi dua dengan tim yang lebih kecil ditugaskan untuk menelusuri bagian terjauh dari sungai liar Amazon. Tim kecil itu dipimpin oleh Ursua didampingi istrinya, dan wakilnya Aguirre (Klaus Kinski) didampingi anak perempuannya. Juga dalam tim itu terdapat seorang pendeta bernama Carvajal, ksatria bernama Fernando de Guzman dan beberapa budak dan prajurit.

Ketika Ursua mulai putus asa karena tidak menemukan apa-apa dan persediaan makanan mulai menipis, Aguirre memutuskan untuk meneruskan petualangan itu dengan memenjarakan Ursua karena dianggap menghancurkan mental prajurit yang lain. Kita lihat bahwa Aguire adalah seorang yang mempunyai ambisi yang tinggi, bahkan siap membunuh prajuritnya sendiri yang ingin mencoba-coba kabur dari petualangan itu. Satu adegan yang mengejutkan adalah ketika salah satu prajurit merencanakan kabur dari petualangan itu dengan berbisik kepada temannya dan secara tidak sengaja Aguirre mendengar. Lalu Aguirre berkata pada ajudannya bahwa prajurit tersebut leih tinggi 1 kepala dari dirinya, dan ajudan Aguirre langsung memenggal kepala si prajurit.

El Dorado sendiri digambarkan merupakan suatu ilusi saja, terlihat ketika mereka menangkap sepasang penduduk Indian setempat, Indian tersebut menunjuk El Dorado nun jauh disana. Dan kematian anggota petualangan itu satu-persatu baik oleh panah beracun atau panah biasa, dan mati tiba-tiba tanpa pernah diketahui siapa yang menembakkan panah-panah tersebut melengkapi misteri dari film ini.

Herzog tidak terburu-buru dengan memasukkan unsur aksi, ketegangan, dan plot yang artifisial. Bahkan Herzog tidak pernah mencurangi penonton dengan pergerakan kameranya. Kamera Herzog tidak pernah berada di helikopter untuk kemudian mengambil gambar dari atas, kameranya tetap berada di rakit bersama Aguirre dengan prajuritnya melalui arus sungai Amazon yang ganas. Itulah yang membuat Herzog seperti ingin kita sebagai penonton turut serta dalam petualangan gila Aguirre dan timnya.

Layaknya mayoritas film-film dari benua Eropa, Aguirre, the Wrath of God lebih ke "experience" daripada ke "entertainment". Film ini bahkan bukan dikendalikan oleh dialog, tetapi menitikberatkan pada karakter terutama karakter Aguirre sendiri, dimana Kinski sempurna menggambarkan sosok Aguirre yang khas dengan bola mata biru dalam mata besarnya yang penuh rasa ingin tahu, pergerakan tubuh yang tidak terduga, serta sikap liarnya. Film ini adalah tentang seorang pria yang dihantui oleh ambisi meraih impian terbesarnya, yang akan melakukan apa saja demi keinginannya tercapai, lalu dihancurkan oleh ambisinya sendiri dan alam.

Hubungan antara Herzog dan Kinski sendiri cukup unik. Herzog pertama melihat Kinski di masa mudanya di Jerman dan langsung berkata pada dirinya sendiri bahwa dia ingin sekali membuat film dan Kinski harus ada di dalamnya. Mereka saling menghormati, saling kagum, saling benci, bahkan saling pernah mempunyai rencana jahat untuk membunuh satu sama lainnya. Tersebar rumor bahwa Herzog sampai mengancam akan menembak Kinski yang sedang marah dan mengancam akan meninggalkan lokasi shooting Aguirre namun akhirnya Kinski merubah rencananya itu.

Penampilan yang diberikan oleh Kinski di film ini juga disebut-sebut sebagai salah satu yang paling memorable dalam sejarah dunia perfilman, dapat disejajarkan bahwa Kinski adalah Aguirre, the Wrath of God sama dengan George C. Scott adalah Patton, Peter O’Toole adalah Lawrence of Arabia, dan Gloria Swanson adalah Sunset Boulevard. Di awal shooting bayangan Kinski akan Aguirre adalah orang yang penuh rasa amarah dengan penuh teriakan dan berjalan layaknya seorang jagoan secara petantang-petenteng. Taktik cerdas dilakukan Herzog dengan mengajak debat panjang tentang Aguirre dengan Kinski sampai Kinski lelah dan setelah itu langsung shooting. Kinski yang sudah capai untuk teriak malahan berjalan dengan lamban dan menyeret seperti kepiting. Dan itulah penampilan yang diingini Herzog dari Kinski dan menjadikan performanya sebagai salah satu yang terbaik dalam sejarah perfilman. Aguirre tidak banyak mengeluarkan kata-kata tetapi kehadirannya mencuri perhatian. Hingga sampailah pada saat Aguirre melakukan monologue terkenalnya:
"If I, Aguirre, want the birds to drop dead from the trees, the birds will drop dead from the trees. . . . I am the wrath of God! . . . The earth I walk upon sees me and quakes!"

Aguirre adalah seorang pria yang akan menikahi putrinya sendiri untuk menciptakan suatu dinasti yang murni, Aguirre bahkan mau dan yakin dia sendiri dapat merebut Trinidad dari tangan Spanyol dan Meksiko dari tangan Cortez, he is really the Wrath of God,

Bagaimana mendefinisikan komedi yang bagus? Ini adalah pertanyaan yang hanya bisa dijawab oleh masing-masing orang yang sangat mungkin berbeda untuk setiap orang. Untuk gue, bila membicarakan komedi hanya ada dua pilihan yaitu lucu atau gak lucu. Dulu gue rada benci slapstick (not to mention some DKI’s movies) tapi begitu ada kesempatan nonton film-filmnya Tati semua berubah, slapstick bisa indah juga ternyata.

This is Spinal Tap adalah sebuah komedi satir tentang sebuah grup rock yang menua. Anggota2 band utamanya terdiri dari tiga orang yang jelas mempunyai IQ rendah. Terlihat ketika diprotes mengenai sampul album terbaru yang akan mereka luncurkan dibilang sexist, salah satu anggota band itu dengan polosnya menyahut “What’s so wrong about being sexy?”. Komedi2 dalam film ini dapat dibilang muncul karena keluguan, rasa sok tahu, atau kebodohan ketiga anggota band tersebut, yang mempunyai humor mirip dengan serial TV The Office. Salah satu yang paling lucu adalah ketika terdapat kesalahan komunikasi antara anggota band, manager dan unit produksi mereka yang akan membuat sebuah replika dari Stonehenge yang akhirnya hanya menjadi setinggi 18 inchi saja, ketika Stonehenge diturunkan di panggung dan dikelilingi oleh 2 orang cebol menari2 mengelilingi Stonehenge kita tertawa bukan karena kecilnya batu tersebut namun lebih pada reaksi para anggota band yang terkejut betapa kecilnya batu itu, kita tertawa pada mereka namun kita juga simpati pada mereka.

Dibuat dengan dalih sebuah film dokumenter (lagi2 tersirat bahwa The Office mengadaptasi genre ini) yang dibuat oleh marty DiBergi yang diperankan oleh Rob Reiner sendiri mengenai konser terbaru mereka di Amerika. Mereka telah merilis 17 album sebelumnya. Musik mereka pun eclectic mulai dari mirip seperti The Beatles ketika di awal karir mereka berkembang hingga menjadi Rock and Roll. Pada saat dokumenter dibuat karir mereka sudah sangat menurun karena dahulu konser mereka biasa digelar di gedung pertunjukkan dengan kapasitas 10-15 ribu penonton namun sekarang hanya digelar di tempat dengan kapasitas sekitar 1000 penonton.

Alasan kenapa kita bisa perduli terhadap karakter2 dalam band tersebut adalah karena kenaifan dan rasa optimis mereka yang tetap besar walaupun dalam kondisi karir yang menurun. Mereka maklum dan mau hadir di acara-acara kecil misalnya mengisi acara di sebuah theme park walaupun nama band mereka hanya ditulis setelah The Puppet Show.

Film pada umumnya atau komedi yang baik khususnya harus dapat bertahan melalui ujian waktu. Saat ini, This is Spinal Tap gue rasa sama efektifnya ketika film ini dirilis. Kita bisa lihat sendiri bagaimana menyedihkannya kehidupan seorang artis yang dulunya ternama namun sekarang bukan apa-apa lagi dan membuat This is Spinal Tap terasa seperti Sunset Boulevard dalam versi komedi.

This is Spinal Tap adalah film perdana dari Rob Reiner, sutradara yang film-filmnya antara lain Princess Bride, When Harry Met Sally, dan A Few Good Men laris di pasaran dan dipuji para kritikus. Reiner jelas terinspirasi oleh film dokumenter The Beatles yang berjudul A Hard Day’s Night dan metode mockumentary ini sangat dikagumi oleh Christopher Guest yang menjadi salah satu pemeran dalam band itu untuk kemudian digunakan dalam dua filmnya yang cukup menarik yaitu Waiting for Guffman dan Best in Show. Film ini juga menjadi fenomena cult di Amerika khususnya hingga band bohongan ini mempunyai video klip mereka sendiri di MTV, juga dinobatkan oleh Entertainment Weekly sebagai film Cult nomer 1 yang pernah dibuat. Let’s Rock! One of my fave. (****, a rockin’ masterpiece)

Dalam pembukaan commentary track film ini, Roger Ebert mengatakan “Sooner or later, everyone who loves movies, will come to Ozu”. Ozu adalah sutradara paling humanist dan paling tenang yang pernah ada. Tema dalam film-filmnya hanya berkisar pada family melodrama, sehingga Ozu sendiri mengakui dirinya sebagai “tofu-maker” dimana dia dapat membuat berbagai macam variasi dalam film-filmnya tapi tidak seperti Kurosawa yang dapat membuat film dengan berbagai jenis genre dan tema. Tapi hal inilah yang menandakan bahwa ia adalah seorang “auteur” yang hebat seperti hal nya Jacques Tati.

Film ini dimulai dengan kedatangan rombongan teater Komajuro di sebuah kota kecil di Jepang. Komajuro sendiri datang dengan didampingi seorang wanita yang bisa disebut pacarnya atau mistress. Segera diketahui bahwa pertunjukkan yang dibawa oleh teater tersebut tidak cukup sukses dari percakapan para anggota teater tersebut.

Di kota itu, Komajuro juga mengunjungi seorang wanita yang mempuyai toko sake yang kemudian akan kita ketahui bahwa Komajuro mempunyai seorang anak laki-laki dari wanita penjual sake tersebut. Namun Komajuro maupun wanita itu tidak pernah memberitahu anak laki-laki tersebut bahwa Komajuro adalah ayahnya dan hanya mengaku bahwa ia adalah Pamannya. Tetapi pacar wanita Komajuro akhirnya mengetahui rahasia tersebut dan marah sehingga mencoba untuk merusak hubungan antara Komajuro dan ibu dari anak laki-tersebut. Caranya adalah dengan membayar sesama wanita anggota teater tersebut untuk menggoda si anak laki-laki itu. Hingga beruntun dalam scene yang mengungkap semua rahasia itu.

Cerita seperti ini tampaknya sederhana sekali dan dapat dibuat oleh sutradara manapun serta dengan genre apapun. Tapi kelebihan Ozu adalah penggalian dan pengembangan karakter yang dalam tanpa situasi-situasi artifisial. Ozu tidak pernah tergesa-gesa dengan para karakternya, semua berjalan lambat namun jelas. Ozu menceritakannya dengan cara seperti penggambaran dalam kehidupan sehari-hari kita dan membuat karakter2nya menjadi 3 dimensi atau nyata ada di lingkungan sekitar kita.

Dengan gaya visualnya yang terkenal, kameranya tidak pernah bergerak. Tetap di tempat dengan cut-cut yang tradisional. Kita tidak akan pernah melihat kameranya Ozu bergerak mengejar para karakternya dengan dolly atau panning dengan menggerakkan kepala kamera untuk mengobservasi lingkungan dalam filmnya. Juga dengan meletakkan kameranya rendah dibanding sutradara lainnya maksimal setinggi 1 meter atau sama dengan jarak pandang mata orang Jepang ketika sedang duduk di atas tatami.

Floating Weeds menceritakan apa yang dapat menjadikannya sebagai “a typical formula story” tapi tidak dalam “formula way”. Tipikal film yang diformulakan akan membangun cerita untuk menuju happy ending. Tapi Floating Weeds tidak pernah salah melangkah serta mendramatisir, sehingga terlihat bahwa apa yang dilakukan karakter2nya adalah nyata yang akan dilakukan oleh orang dalam kehidupan sehari-hari bila dihadapkan oleh situasi yang serupa. In its simplicity, the film is breathtakingly beautiful and profound. One of my all time fave. (****, a truly masterpiece)